Üzenet az orosz zeneművészet hagyományáról. Az orosz zene története

Bevezetés

1. Oroszország dalkultúrája a XIX

2. Orosz zeneszerzőiskola

2.1 Mihail Ivanovics Glinka

2.2 Alekszandr Szergejevics Dargomizsszkij

2.3 "Hatalmas csomó"

2.4 Pjotr ​​Iljics Csajkovszkij

3. A XX. század elejének orosz zenei kultúrája.

Következtetés

Bibliográfia

Bevezetés

Oroszország a 19. században hatalmas ugrást tett a kultúra fejlődésében, felbecsülhetetlen értékű hozzájárulást tett a világkultúrához. Ez több okból is előre meg volt határozva. A kulturális felfutás az orosz nemzet kialakulásának folyamatának volt köszönhető az új kapitalista kapcsolatokra való átmenet időszakában, a nemzeti öntudat növekedése. Egy másik tényező, amely hozzájárult az orosz kultúra intenzív fejlődéséhez, a más országok és népek kultúrájával való szoros interakció. A nyugat-európai társadalmi gondolkodás nagy hatással volt Oroszország kultúrájára. Az orosz társadalom érzékelte a kultúrák fejlett vívmányait Európai országok miközben megtartják nemzeti kultúrájuk eredetiségét. Az értelmiség aktívan részt vesz a nemzeti kultúra fejlesztésében. Ez a társadalmi réteg kezdetben a nemesség és a papság köréből alakult ki, de már a XVIII. közemberek jelennek meg, és a 19. század elején. - jobbágyértelmiség (színészek, művészek, építészek, zenészek, költők). A 18. - 19. század első felében a kulturális fejlődésben a főszerep a nemesi értelmiségé, a 19. század második felében - a raznochintsyé. A raznocsincsok közé tartoztak a liberális és demokratikus burzsoázia művelt képviselői, hivatalnokok, kispolgárok, kereskedők és parasztok. Éppen ezért a XIX. Oroszország a kultúra demokratizálódási folyamatán megy keresztül. Egyre több író, költő, művész, zeneszerző, tudós a kiváltságtalan rétegekből.

Ebben az esszében megpróbálom általános leírást adni Oroszország zenei kultúrájáról a 19. században - a 20. század elején, nyomon követni az orosz zeneművészet eredetét és folytonosságát. Hangsúlyozni kell a művelődéstörténeti tanulmányozás fontosságát, hiszen a jelen a múltra épül. Korunk legforradalmibb zenei alkotásait is közvetve vagy közvetlenül befolyásolja a múlt. Az absztrakt célja az oroszországi zenei kultúra 19. - 20. század eleji állapotának elemzése, jellemzőinek azonosítása, az akkori zeneszerzők és műveik bemutatása, valamint az orosz nyelv jelentőségének megismerése. akkori zenéje a világkultúrának.

1. Oroszország dalkultúrája a XIX

A 19. században Az orosz zeneszerzők nagy figyelmet fordítottak a folklór tanulmányozására, a népzenét ihletforrásnak tekintették. Népdalokat gyűjtöttek és gyakran felhasználták műveikben. Új zenei műfajok jelennek meg, a régi formák (hétköznapi dalok, vándor témájú dalok, szatirikus énekek) átalakulnak az új életkörülmények hatására, változik a képek jellege, az intonáció-kifejező eszközök. A mindennapi népdal nemzeti jelentőségű fontosabb társadalmi-politikai eseményeket tükröz. Az 1812-es honvédő háború széles körben tükröződött a népdalban, 1812-ről egy, a szájhagyományhoz kötődő dalciklus jutott el hozzánk. Tartalmukat és zenei, költői formájukat tekintve igen sokrétűek. Ez a háború volt az oka a lírai dalok megjelenésének, amelyek megragadták az emberek mély bánatát, szomorúságát, gyászát, amelyet az anyaország katasztrófái, a szülőföld tönkretétele, a szeretteink halála okozott.

Az orosz népdal nagy népszerűségre tett szert, számos eredeti feldolgozásban elterjedt - kórusra, kísérettel és egyéni hangszerekkel. 1806-1815-ben Prach gyűjteményét többször újranyomták. Ennek alapján nyilvános típusú dalgyűjtemények jöttek létre.

Danila Kashin, a jobbágyok szülötte nagy hírnévre tett szert, számos népdalfeldolgozást készített. 1833-1834-ben. „Orosz népdalok” című gyűjteménye három részben jelent meg. A negyvenes években a kollekciót újra kiadták, ami jelzi népszerűségét.

Ivan Rupin parasztdalokat is gyűjtött, feldolgozásnak vetett alá, munkásságát a népdal és a városi romantikus intonációk szintézise jellemzi. Vezetéknevét a kortársak olasz végződéssel - Rupini - mondták ki, ami hírnevéről tanúskodik. 1831-ben dalgyűjteményét adta ki. A népdal hétköznapi feldolgozásaival párhuzamosan lírai szentimentális romantika alakul ki. Ebben a műfajban az eszközök egyszerűsége a közvetlenséggel és a kifejezés őszinteségével párosul. A 19. századi orosz romantika fejlődésében nagy jelentőséggel bírtak Aljabjev, Varlamov, Gurilev, Versztovszkij zeneszerzők.

Alekszandr Alekszandrovics Aljabjev (1787-1851) a nemességből származott. A hadseregben szolgált, részt vett az 1812-es honvédő háborúban. Nyugdíjba vonulása után a kreativitásnak szentelte magát. Aljabjev népszerű románcok szerzője: „Szeretlek”, „Téli út” (mindkettő A. S. Puskin verseihez), „Nightingale” és mások. A "Nightingale" Alyabyev egyik leghíresebb dala. Minden benne egyszerű és egyben őszinte. A dalt zongorás bevezető előzi meg. Az énekszólam legelső intonációitól kezdve lebilincselően sima, átgondolt dallam bontakozik ki. Azonnal magával ragad a spiritualitása.

Alekszandr Jegorovics Varlamov (1801-1848) zeneszerző - népszerű románcok szerzője. Több mint száz műfajt alkotott ebből a műfajból, többnyire orosz költők versei alapján („Piros Sundress”, „Hóvihar söpör végig az utcán”, „Hajnalban nem ébreszted fel”, „Fehérül a magányos vitorla ” stb.). Varlamov énekesként, karmesterként, gitárosként és tanárként is bizonyította magát. Tankönyvet írt énekesek számára - "Az éneklés teljes iskolája" (1840).

Alekszandr Lvovics Gurilev (1803-1858) jobbágyzenész fia volt. Gurilev zeneszerző, zongorista, hegedűművész, brácsa és tanár, dalok és románcok szerzőjeként ismert. A leghíresebbek a „Mother Dove”, „Bell”, „Sarafan”, „The Swallow Curls” című dalai, valamint az „Elválás”, „Nem érted a szomorúságomat” című románcok. A zeneszerző a vokális szövegek mellett a zongoramuzsika műfajaiban dolgozott, népdalokat gyűjtött és dolgozott fel.

Aljabjev, Varlamov és Gurilev munkássága felbecsülhetetlen értékű hozzájárulás az orosz zene kincstárához. Dalaik, románcok ma is szerepelnek az énekesek, kórusok koncertrepertoárjában, és hétköznapi emberek adják elő.

A 19. századi orosz zenét általában két korszakra osztják: a nagy zeneszerző megjelenése előtt, azaz körülbelül 1830-1840-ig, és azt követően.

• Korszak előtt korai romantika, vagy "előtt - Glinka",
• után jön az orosz zene klasszikus korszak.

század orosz zenéje - "előtt - Glinka" korszak

A század elején két stílus keveréke uralkodott az orosz zenében - a klasszicizmus és a romantika. . A 19. század első felében olyan nagyszabású események zajlottak Oroszország számára, mint a Honvédő Háború, a decembrista felkelés; a nem sokkal korábban lezajlott francia forradalom eszméi terjedtek a társadalomban. Mindez nem befolyásolta az ország kultúráját. Megjelenik az irodalomban, V.F. Odojevszkij, a festészetben - A 19. századi oroszországi zenei kultúrában is visszhangok hallatszanak, amelyek M.I. megjelenésével valóban elárasztják az országot. Glinka.

Főbb műfajok és irányok

A 19. századi orosz zene legnépszerűbb irányzatai a következők voltak:

1. városi dal. Végül a 19. században alakult ki. Leggyakrabban az ilyen dalok névtelen amatőrök egyszerű gitárimprovizációjából költők verseibe születtek (például „Esti csengő”, „Hogyan idegesítettem fel”).
2. népi dallamok rögzítése és feldolgozása. A 18. század végén V. Trutovsky orosz népdalgyűjteményt adott ki. Szinte minden fővárosi lakos érdeklődni kezdett irántuk, ezt követően számos népi stílusú zenei alkotás kezdett megjelenni („Tekervényes a szürke szárnyú fecske”).
3. kamaraénekes zene orosz folklór keveredésével zenés házi estéken adták elő. A romantika hatására megjelenik egy orosz romantika (különösen népszerűek voltak A. A. Aljabjev ("A csalogány") és A. E. Varlamov ("Ó, te, az idő egy kis idő", "A hóvihar végigsöpör az utcán") románcai. és a rajta megalkotott cigányrománcra épül, amihez nem volt szükség profi énekhangra és bonyolult kíséretre (például: „Zöld a szemed”).

Emellett még élt egy olyan zenei műfaj, mint a vaudeville – könnyed játék kuplékkal. Oroszország zenei kultúrájában a "Glinsky előtti" időszakban a vaudeville különösen népszerű volt:

• A.A. Shakhovsky ("Szerelmi bájital", "Menekült a menyasszonyától")
• F.V. Bulgarin ("Beszélgetés a holtak királyságában", "Mitrofanushka kalandjai a Holdon"),

mindazonáltal minden nemes ifjú kötelességének tartotta, hogy életében legalább egyszer megkomponáljon egy vaudeville-darabot valamelyik színész javára.

A színházak főleg olasz és francia operákat adtak elő. Az orosz operában az epikus motívumok érvényesültek; a romantika hatása azonban már érezhető volt (A.N. Verstovsky például gyakran használt műveiben romantikus cselekmények- felhívás a korszakos múltra).

Az orosz zene klasszikus időszakának kezdete - M.I. Glinka

Mihail Ivanovics Glinka, az oroszországi zeneszerző iskola alapítójának megjelenésével igazi felfutás kezdődött a 19. század orosz zenéjében. Zenei művei népi motívumokkal vannak átitatva, ugyanazt a Puskin-féle „orosz szellemet” tartalmazza. A zeneszerző a pompás énekművek és szimfóniák mellett két (a zenetörténet egyik legkiemelkedőbb) operáját alkotta meg: Élet a cárnak (1836) és Ruszlán és Ljudmila (1842). Mindkét művet áthatja a legerősebb hazafias és orosz kezdet, mert M.I. Glinka maga mondta:

„A zenének tartalmaznia kell annak a nemzetiségű népzenének intonációit, sőt egész dallamait, amelyhez a szerző tartozik.”

Tehát az "Élet a cárért" című operában egy egyszerű paraszt képében, Ivan Susanin M.I. Glinka megmutatta az orosz nép minden erejét és erejét. Az opera legfontosabb újítása az volt, hogy a zenei mű főszereplője egy paraszt, egy jobbágy volt. Nem meglepő, hogy a nagyközönség nem értékelte az operát, de az irodalom számos klasszikusa (például) igazi rajongója volt.

A Ruslan és Ljudmila, az élénk romantikus motívumokat tartalmazó epikus mesében Glinka még jobban eltávolodott a francia és olasz operák hagyományaitól, ezért ezt a zenét nem fogadták lelkesedéssel. Mindazonáltal ezek után a művek után ismerték fel az orosz zenét az egész világon, és M.I. Glinkát jogosan ismerik el a zenei klasszikusok alapítójaként Oroszországban.

A 19. század második felének orosz zenéje

A 19. század második felében a zene elérhetőbbé válik a lakosság különböző rétegei számára.

• Megnyílik a Császári Orosz Zenei Társaság moszkvai és szentpétervári fiókja, folyamatosan tartanak mindenki számára elérhető zenei találkozókat,
• Ingyenes zeneiskola jön létre Szentpéterváron,
• Konzervatóriumokat alapítanak – először a fővárosokban (a Rubinstein fivérek élén), majd a század végén más városokban.

Új zenei műfajok válnak népszerűvé - szimfonikus ciklusok, szimfóniák (az első szimfóniát (F-dúr) A. G. Rubinshtein készítette 1859-ben de nem szerzett széles körű népszerűséget; ismertebb a 2. C-dúr szimfóniája, melynek címe "Óceán". Ez a műfaj igazi virágzást ért el az orosz zenében Rimszkij-Korszakov és munkásságában.

századi zeneszerző iskolák Oroszországban

Szintén a 19. században az országban két jelentős zeneszerzői iskola alakult:

• Első - Új orosz iskola Szentpéterváron, később V.V. Sztaszov nevezi el.

Benne volt a fő mentoruk és tanáruk, látták M.I. Glinka, a fő cél pedig a nemzeti elv megtestesülése zenei műveiben. Abban az időben a forradalmi eszmék nagyon erősek voltak; az egész értelmiség a parasztok problémáin töprengett, miközben maguk a parasztok szerveztek zavargásokat és felkeléseket. Ennek hátterében megjelent a „Hatalmas Maroknyi” nemzeti, szellemi, nemzeti gazdagság eszméivel. Az orosz folklórt gondosan gyűjtve igyekeztek az operákban átadni a nemzeti szellem teljes erejét.

• A második a moszkvai iskola;

P.I. volt az élén. Csajkovszkij, és benne A.A. Alyabiev, S.I. Taneev, A. E. Varlamov és mások.

Ha a szentpétervári zeneszerzőiskola a zene epikussága mellett állt, akkor a moszkvai orosz zeneszerzőiskola inkább a lírai művekre volt jellemző. Például természet, táj, P.I. Csajkovszkijt mindig az emberi érzések, a zeneszerzők prizmáján keresztül ábrázolják « kucskisták » a természet inkább egy erős, teljes értékű hős, akinek semmi köze az emberhez. Sok ilyen különbség van, de a legfontosabb az, hogy különböző időszakokhoz tartoztak.

• A moszkvai iskola a leköszönő korszakot, az „elmúlt századot” képviselte.
• Pétervár (vagy „újorosz”, ahogy nevezték) mindent tartalmazott, ami a „jelen századra” jellemző.

E két irányzat ellentéte nemcsak híveik, hanem azon zeneszerzők munkásságára is hatással volt, akik egyik irányzattal sem azonosították magukat.

19. századi előadóművészet

Ami az előadóművészetet illeti, sok minden megváltozott Oroszországban ebben az időszakban. Előtte csak az amatőr házi zenélés volt elterjedt (erről már fentebb volt szó), a 20. század elejére az operaházak hatalmas termeiben kezdtek zenés alkotásokat előadni, kialakultak a hazai játék-ének iskolák. , és megnyíltak a felsőoktatási intézmények.

Hangszerek

A 19. század egyik fő találmánya a fúvós hangszerek szelepszerkezete, melynek segítségével a fúvós hangszerek lehetőségei sokkal szélesebbek lettek; új hangszerek jelentek meg - például a tuba és a piccolo fuvola. Ráadásul a zongorát, amelyen ma játszunk, egy időben találták fel Amerikában, és azonnal példátlan népszerűségre tett szert Oroszországban.

Összesít.

A 19. század orosz zenei kultúrájában igazi fellendülés következett be, nemzeti zeneiskola alakult ki, az egész világ elismerte és tisztelte az orosz zeneszerzőket.

Tetszett? Ne rejtsd el örömedet a világ elől – oszd meg

Az orosz zene eredete a területen élő keleti szláv törzsek munkásságáig nyúlik vissza Ókori Oroszország században az első orosz állam létrejöttéig. A keleti szláv zene legrégebbi típusait elméletileg az egyes történeti bizonyítékok, a régészeti feltárások anyagai, valamint néhány, a dalfolklór későbbi példáiban megőrzött nyomelem alapján lehet megítélni. A kijevi központú ősi orosz állam megalakulásakor a népdal fontos helyet foglalt el a családi és társadalmi életben, különféle típusú hangszereket ismertek. A hárfa már a 6. században a szlávok egyik kedvenc hangszere volt.

A közösségi-törzsi rendszer korszakában kialakult pogány vallási hiedelmekkel és rituális cselekvésekkel összefüggő rituális folklór terjedt el. Sok pogány rítus élt az emberek között még a kereszténység oroszországi bevezetése után is (10. század vége), az egyház súlyos elítélése és üldözése ellenére. Az egyházi hatóságok egészen a 17. századig rendeleteket, leveleket adtak ki a nép által kedvelt „démoni” játékok és énekek ellen. Idővel a pogányság, mint a világról alkotott hiedelmek és eszmék integrált rendszere elsorvadt, és a pogány rítus, elveszítve mágikus és kultikus jelentőségét, a játék elemévé vált. De ugyanakkor megőrizték a rítus külső formáit és néhány pontját, amelyek szabályozták az igazgatását.

Az ókori Oroszországban nem léteztek a professzionális világi zene fejlett formái, amelyek meghatározták a folklór különösen fontos szerepét a társadalom életében. A népdal nemcsak a dolgozó tömegek körében létezett, hanem a legfelsőbb feudális körökben is egészen a fejedelmi udvarig. A világi művészeti kultúra fő hordozói a búbok voltak, akik a középkori szinkretikus színészek és zenészek egy fajtája. Társadalmi helyzetükben és művészetük jellegében különböztek egymástól. Az utcákon és a tereken a köznéphez beszélő vándorló búbok kívül estek a feudális társadalom társadalmi hierarchiáján, és megfosztották őket minden joguktól. A feudális urak és fejedelmek szolgálatába érkezett „kiszolgáló” búbok jobban jártak, és élvezték patrónusuk védelmét. A buffonok között voltak guslarok, kürtök, "svirtok" (primitív fúvós hangszereken előadók). Repertoárjuk főként népdalokból és táncokból állt. Csak a 17. században, az általános kulturális eltolódások hatására, a búvárkodás elvesztette jelentőségét, és Oroszország középső régióiból az északi peremekre szorult.

A 10. század végén a kereszténység államvallássá válásával az egyházzene fejlődésnek indult. Az ókori orosz egyházi éneklés formáit, és nagyrészt valószínűleg éppen dallamait is Bizáncból kölcsönözték. Innentől kezdve a rögzítésük rendszerét egy speciális konvencionális jelek segítségével vették át, amelyek egyfajta demens írásnak számítottak.

A kölcsönzött bizánci formák újragondolásának eredményeként az ősi orosz énekművészet egy teljesen eredeti típusa keletkezett - a Znamennij-ének vagy a Znamennij-ének. Ennek a folyamatnak a szakaszait nem lehet nyomon követni, mivel a Znamenny-írás korai formáit nem sikerült megfejteni.

Az ókori orosz zenei írás első ismert emlékei a 11. század végére - a 12. század elejére nyúlnak vissza. Ugyanakkor az egyházi éneklés gyakorlatában szóbeli hagyomány volt. Csak a XV - XVII században. az egyházi énekek minden típusát „zászlóra helyezték”, és általánosan elterjedt a „horgos” éneklés (a horog a znamennyírás leggyakoribb jele).

Az ókori orosz énekművészet legfontosabb jellemzői a következők voltak: - szigorúan kitartott monofónia, hangszeres kíséret nélkül, a dallammozgás simasága, a hosszú időközönkénti ugrások hiánya, a dallam szoros kapcsolata a verbális szöveggel, amely egyenlőtlen hosszúságú sorokból áll. , ennek eredményeként - a metroritmikus szerveződés szabadsága, a dallamok szerkezetének aszimmetriája, a dallam felépítése kész kanonizált formulák alapján azok összefűzésével, variánstranszformációjával. A Znamenny-ének dallamkészletét alkotó formulák-énekek összegét az ozmózis rendszere fedte le.

A Kijevi Ruszban a szokásos znamenny mellett a kondakar éneklés egy különleges fajtája volt, amelyet rengeteg dallamdíszítés és hosszú szótagok éneklése jellemez.

A Kijevi Rusz összeomlása után számos énekiskola alakult ki, amelyek közül a novgorodi különösen kiemelkedett. A feudális széttagoltság időszakában Novgorod volt az ősi orosz énekhagyományok fő őrzője. A 14. század vége óta Moszkvát az énekművészet össz-oroszországi központjaként hirdették, amely egyesíti és szintetizálja a helyi iskolák eredményeit.

A 16. században létrejött az uralkodói énekes diakónusok példaértékű kórusa, amely a királyi istentiszteleteken való részvételen túl az ország egyházi éneklésének állapotellenőrző funkcióit látta el.

A 16. század közepén kialakult a moszkvai énekes és kántáló iskola, amely fontos szerepet játszott az egyházi énekművészet fejlődésében. Savva Rogovot alapítójának tartják, Fedor Krestyanin, Ivan Nos, Stefan Golysh híresek voltak tanítványai és követői körében.

Ebben az időszakban virágzott a Znamenny ének, számos dallamváltozat született. A monodikus kóruséneklés különleges változatai a Znamenny énekből - demestvenny ének és utazási ének - ágaztak ki.

A 17. század fordulópont volt az orosz zene történetében, befejezve az ősi korszakot, és egyben fejlődésének új korszakát is előkészítette. A középkori világkép válsága, a megszokott fogalom- és nézetrendszer felbomlása az egyházi éneklésről szóló vitákat tükrözte, amelyekben két irány ütközött. Egyikük a régi hagyomány megerősítésére törekedett részleges reformokkal, a másik az esztétikai szemlélet más rendszeréhez, a művészet más életfelfogásához kapcsolódó új formákat terjesztett elő és védte meg.

A 17. század közepén bevezették a cinóber jeleket (betűs megjelöléseket, amelyeket az énekjelek fő sora fölé ragasztottak és jelezték a pontos hangmagasságot). Ez a rendszer a tizenkét diatonikus lépésből álló, úgynevezett mindennapi skálán alapul, amely négy „akkordra” van osztva. A znamenny ének 17. századi kidolgozásával és elméleti alapjainak rendszerezésével párhuzamosan zajlott a dallam további gazdagodása, új énekek és változataik, énekstílusok, vagy ahogy akkoriban énekek nevezték - kijevi ének, bolgár ének, görög ének .

A 17. század második felében a új stílus kóruspolifónia - partes éneklés, amely eredetileg Ukrajnában és Fehéroroszországban alakult ki (N. Diletsky, I. Korenev). A partiéneklés legegyszerűbb típusai a Znamenny-ének dallamaira épültek. A partes éneklés legmagasabb formája a 8-12 vagy több szólamú a cappella kóruskoncert volt.

A 17. században a csembaló, az orgona és más európai hangszerek megjelentek az udvarban és a felvilágosult orosz bojárok otthonaiban, és házi hangszeres kápolnákat hoztak létre. A zene nagy helyet foglalt el az udvari színházban (1672-1676).

Az orosz zene 17. században kialakult stílusformái és műfajai a következő században is tovább éltek. Így a partes concerto a 18. század közepéig az orosz zeneszerzők kreativitásának legfontosabb formája maradt. Számos mestere között szerepel N. Kalasnyikov, N. Bavikin, F. Redrikov.

Az orosz társadalmi gondolkodás és irodalom progresszív demokratikus irányzatainak közvetlen hatására a 18. század utolsó harmadában nemzeti zeneszerzőiskola alakult ki. Képviselői munkájukban a kora európai klasszicizmus stíluselveit és formáit igyekeztek ötvözni az orosz élet témáival, képeivel, az orosz népdalok dallamraktárával. Megjelentek az első nyomtatott népdalgyűjtemények - Trutovsky, Lvov és Prach. A bennük elhelyezett népi dallamfelvételek közül sokat felhasználtak a zeneszerzők.

A 18. századi zeneszerzők munkásságában a legfontosabb helyet az opera műfaja foglalta el. A kor legkiemelkedőbb zeneszerzői V. A. Pashkevich, E. I. Fomin, D. S. Bortnyansky, M. Berezovsky, I. Handoshkin és mások.

időpontja « _____________ »

Óra témája .

Célok és célkitűzések:

Ismertesse meg a tanulókkalvilágzene klasszikusai

RFejlessze a dal kifejező előadásmódjának készségeit.

A kazah nemzeti kultúra, a kazah nép gazdag zenei öröksége iránti tisztelet érzetének ápolása.

xegy lecke:

1. Szervezési mozzanat . Üdvözlet, éneklés

2. ének.

3. Új technológiák „Vertikális tematizmus”

4 . Új ismeretek formálása .

Az orosz nép zenei hagyományai

Aki énekel, azt a baj nem veszi el.

Orosz közmondás

Az orosz nép zenei folklórja gazdag dallamos dalokban, mulatságos cuccokban, hetyke kedvcsinálókban, fenséges eposzokban, óramű körtáncokban és táncokban. Zenészek, buffók kísérték az éneklést a nyughatatlan balalajkán, a kedvenc szájharmonikáján.

És a pásztorok a dallamokat orrhangon, kissé szomorú szánalommal és csengő furulyán énekelték.

A népdal a legkedveltebb zenei műfaj, amelyet az orosz zeneszerzők használtak munkáik során. Az egyik az voltMihail Ivanovics Glinka (1804-1857). A zenészek "atyának" illaz orosz klasszikus zene megalapítója 1 zene.

A zeneszerző gyermekkora egy orosz faluban telt el. Itt a szerettek szeretete és a parasztok éneke, az őshonos természet képei és hangjai, a templomi harangok kongása vette körül.

M.I. Glinka így emlékszik vissza: „... Vacsora közben általában orosz dalokat játszottak. Ezek a melankolikus-gyengéd, de számomra eléggé elérhető hangok nagyon tetszettek. Ők voltak a legélénkebb gyönyörök forrásai. Talán ezért kezdtem el fejleszteni az orosz népzenét. A zene a lelkem! A zeneszerző más szavai is híresek, amelyekben a népzene nagy jelentőségéről beszél:

"Klasszikus - latinból fordítva - a legjobb, példamutató. „A zenét az emberek teremtik, mi, zeneszerzők csak hangszereljük 2 ". Ezt az elképzelést erősíti meg híres szimfonikus zenekari fantáziájával"Kamarinskaya". M.I. Glinka a fantáziában egy szimfonikus zenekarhoz két orosz népdaldallamot használt: „A hegyek miatt, magas hegyek” és a „Kamarinskaya” 3 . Mindkét dal folyamatosan változtatja a megjelenését, akár egy ember hangulatát. A mű egy kis epikus bevezetővel kezdődik, mintha a zeneszerző azt mondaná: „Egyszer volt...”

A "Kamarinskaya"-ban a zeneszerző megtestesítette zenei álmát, a fikciót. A zene szeszélyes és kiszámíthatatlan. Talán ez a kép a falusi életről, a természetről, vagy egy orosz ember képe, aki szomorú vagy szórakozik.

A szimfonikus zenekar hangszerei közreműködnek M. Glinka szimfonikus fantáziájának zenei képalkotásában. Az orosz népi hangszerek hangszínét utánozzák. A fafúvósok szánalom, furulya, kürt egyszerű, őszinte hangját keltik. A vonós hangszerek a balalajkák vidám dallamát adják vissza.

5. Hallgatás: szimfonikus fantasy "Kamarinskaya"

6. Éneklés:

7. A lecke összefoglalása

8. Házi feladat

Az éneklés, amelyet a zeneművészet egyik legrégebbi fajtájaként értelmeztek, nem azonnal vált azzá. Mindig is az érzelmi kifejezés elsődleges és szerves emberi szükségletéhez kapcsolódott és marad. És ez az ősemberi szükséglet, nem kevesebb, mint közvetlen társadalmi szükséglet, határozza meg az éneklés által elfoglalt kizárólagos helyet az emberiség kultúrájában.

Az éneklés okait kutatva N. Csernisevszkij ezt írta: "Az éneklés eredetileg és lényegében a beszédhez hasonlóan emberi természet alkotása, nem pedig műalkotás." Ez a megjegyzés abban az értelemben igaz, hogy az ember által a természettől kapott első és legfontosabb hangszer a hangja volt. Éneklővé pedig az érzés hatására, spontán, önkéntelen önkifejezés eredményeként vált, amelyet egy-egy korszak általános intonációs légköre határoz meg és alakít. És ebben az értelemben minden éneklés tanított viselkedés.A folklórhagyomány részeként az éneklés egyszerre lehet művészet és nem művészet. A folklórban minden szerves kapcsolatban keletkezik, fejlődik és működik a nép életének minden elemével: történelmi, társadalmi és munkatapasztalataival, életmódjával, erkölcseivel, szokásaival, világnézetével, etikai és esztétikai elképzeléseivel.

Mivel a folklór egyszerre művészet és nem művészet, hordozóinak kommunikációja esztétikai és nem esztétikai kapcsolatok formájában is megvalósul, jóllehet ezek egyensúlya a folklórtörténet különböző szakaszaiban, ill. különféle típusok, műfajai folklór nem ugyanaz. Ez a kollektív kreativitás maga is szorosan összefügg a munkával és az élettel, az emberek egész életével, és része a szocializált kapcsolati normák szerves komplexumának. Ezek ismerete lehetővé teszi a hagyomány belülről történő meghallgatását és annak saját törvényei szerint történő értékelését.

A folklór kommunikációs formáinak következő tipológiáját javasoljuk a dalalkotás során kialakuló kapcsolatok jellegének és funkcióinak meghatározása alapján:

1. Kommunikáció a művészi kreativitás folyamatában, közvetlenül kapcsolódik a munkatevékenységhez. Az egyszerre éneklő és dolgozó embereket a közös pozitív érzelmek és a munkához való kollektív esztétizált hozzáállás köti össze.
2. Kommunikáció a művészi kreativitás folyamatában, amely közvetve kapcsolódik a munkatevékenységhez a mitológiai gondolkodás formáiban, és a munkafolyamat megfelelő rituális reprodukciója vagy más mágikus hatás a természet erőire. Ez a fajta kommunikáció, amely egy egésszé egyesíti a fogalmak: ember - munka - természet fogalmát, a naptári-rituális folklórban három fő formában valósul meg: a) közvetlen rituális kommunikációként a természet erőivel; b) kommunikáció olyan szimbolikus rituális alakokkal, mint Kolyada, Húshagyó; c) kommunikációként élő közvetítő, pap segítségével.

A dalos folklór mindaddig élő, procedurális jelenség marad, amíg a rá jellemző kommunikációs formák megmaradnak az őt létrehozó kollektíván belül, és megszűnik az lenni, amint ezek a formák átadják a helyüket másoknak. Megszűnik termelőfolyamatnak lenni, a népművészet kiváló emlékművévé, a szakemberek anyagává válik.

A fentiek fényében a népi előadás törvényszerűségeinek ismerete, a folklór természetének megértése, amelyek szükségesek a repertoár tapintatos, ésszerű kiválasztásához és értelmezéséhez, valamint művészi indokolt színpadi adaptációjának optimális mértékének meghatározásához. különös jelentőségű.

Az előadók számára fontos, hogy a folklórt ne csak művészi szövegként értsék, hanem élő előadói folyamatként is, annak minden sajátosságával a szöveg nélküli kommunikációval, művészi textúrával és előadási műfajokkal együtt.

Az éneklés és az ének a népi életben mindig mindenki előtt nyitva áll. Az ilyen „kapacitást”, „az énekes státusz ki nem emelését” a hagyomány elképesztő rugalmassága biztosítja. Egy énekes találkozón különböző tehetségű és ügyességű emberek érzik jól magukat. Mindenki elsősorban magának énekel, megvalósítva az "én"-jét. Ugyanakkor a művészi közös alkotás a kommunikáció céljává válik, a kollektív éneklés - nemcsak zenei, hanem viselkedési aktus, többszólamú dal -, amely nemcsak a zenei intonációt, hanem az emberi kapcsolatokat is feltárja.

A közös muzsikálás értelme a dalhagyomány hordozói számára nem csak az énekhangok összehangolásában rejlik, hanem valami többben, az énekes emberek mély kapcsolataiban, akik számára nincs egyértelmű határ a „zenei” és a „nem” között. -zenei, esztétikus és nem esztétikai, természetes és véletlenszerű.

Ezért a folklór mindig, úgymond, újból jön létre. A spontaneitás akkor is jelen van, ha az emberek egy általuk jól ismert dalt énekelnek. Az óhatatlanul felmerülő „meglepetések” ebben az esetben nem az éneklés hibái, hanem annak természetes tulajdonsága, belső élete, értelme.

L.V. Shamina

"A népdalpedagógia alapjai"